Alicia Castro Martínez
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“LA
COMUNA” (1999) DE PETER WATKINS
Historia:
La Comuna, fue un pequeño gobierno popular que gobernó París del 18 de marzo al 28 de mayo de 1871.
Lo que hizo que esta etapa fuese importante a nombrar en la historia es dado a
sus decretos y el sangriento final que supuso.
la situación era la siguiente: el pueblo parisino estaba muy
descontento por la ocupación prusiana de la ciudad, asi pues la Guardia
Nacional apoyada por el pueblo ayudó a que esta ocupación se centrase en un
área reducida de la ciudad y así mantener al pueblo protegido.
Los prusianos se encontraron en París que residía una
incomodidad en sus habitantes, y la inestabilidad fue creciendo. La Guardia
Nacional se hizo con el poder revelándose al gobierno, el cual renunció. Ante esta situación fueron convocadas nuevas
elecciones para una comuna (o, mejor dicho, del "Concilio Comunal");
incluía trabajadores, profesionales (tales como doctores y periodistas), y un
gran número de activistas políticos, desde reformistas republicanos,
socialistas y hasta jacobinos que tendían
a mirar nostálgicamente la Revolución francesa.
El socialista Louis Auguste
Blanqui fue elegido presidente del Concilio, pero nunca ejerció
porque estaba encarcelado.
Este gobierno llegó a su fin cuando el ejército de Versalles
lo asaltó. En la comuna las mujeres de la clase trabajadora de París servían en
la Guardia Nacional e incluso formaron su propio batallón, con el que más tarde
pelearon para defender el Palacio
Blanche, pieza fundamental para Montmartre. (Es importante también
señalar que incluso bajo el gobierno de la Comuna las mujeres aún no tenían
derecho a voto, ni tampoco existían miembros femeninos en el Concilio.)
La comuna estableció la paz con Prusia, la cual
posteriormente apoyó a la oposición, esta se hizo con armas y dinero. Se revelaron y ejecutaron a la mayoría de los
comuneros.
*** (esta información la tuve que trabajar para entender la
postura del autor al querer enfocar la película en esa época) ***
Este es el tema principal de la película “La Comuna” de Peter
Watkins, pero encontramos que a su vez el tema de la comuna dialoga con una
postura actual; los actores en sus diálogos enfrentan posturas de la época y de
ahora, como si de un debate de ideas se tratase.
El rodaje de "La Comuna” tuvo lugar en julio de 1999,
en una fábrica abandonada en Montreuil, en el extremo este de París. (Docudrama de casi 6 horas de duración).
Más de 220 personas de París participaron en la película,
aproximadamente el 60% de ellos no tenían una experiencia previa de la
actuación.
Patrice Le Turcq fue el encargado en hacer de una fábrica en
desuso un estudio en el que se representaba una pequeña ciudad en la que las
habitaciones estaban interconectadas, que daban a pequeños espacios, estos
diseñados para representar a la clase obrera de París.
The set was carefully designed to
'hover' between reality and theatricality, with careful and loving detail
applied for example to the texture of the walls, but with the edges of the set
always visible, and with the 'exteriors' - the Rue Popincourt and the central
Place Voltaire - clearly seen for what they are - artificial elements within an
interior space.El conjunto fue diseñado cuidadosamente
para adoptar una experiencia entre la realidad y la teatralidad. Se ven claramente
elementos artificiales dentro de un espacio interior, que adoptan
características reales.
Con todo esto Peter Watkins intentaba buscar formas menos jerárquica de comunicación
con el público.
The
factory stands on the site of the former film studios of French film pioneer
Georges Méliès (1861-1938).Características:
-La cámara es
estática generalmente, con excepción de algunos movimientos suaves de izquierda
derecha; cubre grandes espacios con multitud de gente, mientras que estos
hablan entre si con total naturalidad. Un ejemplo de ello es la escena en que
las mujeres hablan de la UDF en el café, en primer lugar acerca de la
organización en 1871, y luego sobre las condiciones de las mujeres hoy.
Por lo general en las escenas filmadas carecían de primeros
planos con un solo actor, al menos había dos o tres personas en el marco, al
mismo tiempo.
La dinámica de grupo que cobró esta película es muy poco
frecuente en los medios de comunicación hoy en día.
- El método de
filmación de secuencias largas, sin interrupciones, y siguiendo el orden
cronológico de los acontecimientos de la comuna, gustó mucho al grupo teatral,
dado que ofrecía mucha más continuidad a la experiencia. Este proceso permite
la improvisación lo que hacía estimular a los actores que adquirían más
dinamismo y una postura vivencial; así el espectador disfruta de una postura no
artificiosa y estática.
Peter Watkins:
Se le conoce por ser uno de los propulsores del falso
documental y por el carácter político que remarca en sus películas.
A lo largo de su carrera Watkins desarrolla la crítica a las
instituciones militares y a la destrucción del individuo por el sistema.
También esboza la que sería su técnica documentalista preferida: la
"reconstrucción realista". Todo esto se puede ver claramente en “La
Commune”, su centralidad por este tema, que además acentúa con su debate entre
la política de entonces y la de hoy, como una cotidianidad.
Opinión:
Se trata de una película e francés, por lo tanto difícil de
entender para mi, por ello necesité buscar información para poder captar el
concepto y lo que en ella se presentaba; al tener esta limitación uno se fija
más en la composición de las escenas y como están compuestas.
Me parece muy interesante como enfocaron un espacio exterior
en una nave industrial, es como una caja que guarda una micro ciudad. Lo más
interesante es como solucionaron el problema de espacio, cómo tanta gente podía
organizarse en lugares tan estrechos.
Además el tema de presentar una película que a la vez se ve
como se hace y como funcionan los actores nos lleva a pensar en una película
que se fusiona con un documental, con ello captas más las sensaciones propias
de los actores y entiendes las situaciones a representar y sus complicaciones.
Algo destacable es que a pesar de que entendemos que en 1871
no se podían hacer grabaciones en sonido, el autor decidió realizar la película
en blanco y negro, entiendo que es para hacer referencia a que representan una
época anterior, a pesar de que se rodó en 1999.
Para mi gusto es una película demasiado larga y algo
cíclica. Pero al verla me obligué a entender la época y si realmente los
ideales políticos y reinvidicativos han cambiado; realmente creo que aunque las
situaciones y épocas sean distintas lo que se busca es lo mismo, adaptado al
tiempo que corre.
“Los idiotas” Lars von Trier 1998
Estamos ante una película muy curiosa de Lars
von Trier, que pertenece al movimiento
fílmico Dogma del 95 ( un colectivo de cineastas fundado en Copenhague en la primavera de 1995); este se caracteriza por el
rechazo a las modificaciones de post-producción y la enfatización en el
desarrollo dramático. Nació por el afán de cambio cinematográfico, en donde sus
directores prometían buscar la verdad absoluta, las películas tenían que estar
rodadas en espacios naturales, con cámara al hombro, sonido en directo, sin efectos musicales y con connotaciones más
reales.
Pretende acabar con la idea del cine de autor, se
considera que el autor es una visión burguesa del romanticismo. No importa quién haga cine, ya que
sus costes de producción no son elevados y permite a los jóvenes poder llevar a
la práctica sus ideas.
Los directores que
apadrinaron el movimiento fueron Lars Von Trier, Thomas Vinterberg y Soren
Kragh-Jacobsen, y los primeros filmes con Certificado Dogma 95 fueron Festen
(Celebración), Idioterne (Los Idiotas) y Mifune Sidste Sang (Mifune). La
película de von Trier se considera que es la única que respeta en su totalidad
las normas del manifiesto.
Provocadora
desde su título, es una mirada crítica sobre una sociedad burguesa, un estado
de falso bienestar imposibilitado para la verdadera felicidad.
Sus protagonistas
son un grupo de jóvenes que se alojan en una casa de campo, en sus convivencias
buscan una perspectiva distinta de la condición humana tradicional. Interpretan
el papel de disminuidos psíquicos, en todo momento, y con ello intentan
alcanzar la felicidad absoluta. Para algunos se trata de un acercamiento
irónico a las relaciones humanas y su conducta; para otros una simple ficción o
incluso una representación la burla y lo absurdo.
En varias
escenas se ve como el grupo a partir de esta interpretación se aprovecha de la
sociedad, como por ejemplo en la primera escena, que se libran de pagar lo
consumido en un restaurante por hacerse
los incontrolados, entonces los echan.
En otras simplemente se divierten, como ellos dicen “haciendo el
idiota”, en contraste a esta ideología está el personaje de Karen, una
mujer solitaria que se ve involucrada en
una de las “performances” , con las que el grupo pretende enfrentarse mediante
la idiotez a las convenciones sociales y que termina uniéndose a la causa.
INFORMACIÓN ADICIONAL
Lars von Trier:
Director de
cines danés y uno de los creadores del movimiento Dogma 95.
Reconocido
mundialmente por su visión crítica del mundo expresada a través de sus
películas dramáticas las cuales han generado tanto el clamor por parte de los
expertos como también críticas por los métodos de filmación.
Se trata de
un cineasta muy reconocido en el Festival de
Cine de Cannes, en donde fue premiado en varias ocasiones con las
películas:
“Breaking the Waves”
en donde Emily Watson, actriz de la película,
recibió una nominación al Oscar por Mejor Actriz.
“The
Element of Crime” (1984), con esta película logró llamar la
atención en el Festival de
Cine de Cannes donde recibió un premio por Logro Técnico;
“Europa” (1991), por el uso de superposiciones, proyección trasera, y
cambios dramáticos entre escenas en blanco y negro y color. Retitulada “Zentropa”
para la versión estadounidense, con “Europa” von Trier logró el
reconocimiento cinematográfico. Desilusionado por su tercer puesto en el
Festival de Cannes, aceptó el premio
agradeciéndoselo al presidente del jurado Roman Polański.
“Dancer In The Dark”
(2000), película por la que recibió la Palma de Oro en Cannes por Mejor
Película y Mejor Actriz para la cantante islandesa Björk, quien hizo el papel de Selma, una
inmigrante checa que se estaba quedando ciega. “I've Seen It All” la canción
por excelencia de la película, fue nominada a un Oscar por Mejor Canción en
2001.
Normas referidas a la producción de la película, por Dogma 95:
1. Los rodajes tienen que llevarse a
cabo en el lugar. No se puede decorar ni crear un "set". Es necesario
el desarrollo de una historia, se debe
buscar una locación donde estén los objetos necesarios.
2. El sonido no puede ser mezclado
separadamente de las imágenes o viceversa (la música no debe ser usada, a menos
que esta sea grabada en el mismo lugar donde la escena está siendo rodada)
3. Se rodará cámara en mano.
Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La
película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar
donde la película tiene lugar)
4. La película tiene que ser en
color. La luz especial o artificial no está permitida (sí la luz no alcanza
para rodar una determinada escena, esta debe ser eliminada o, en rigor, se le
puede enchufar un foco simple a la cámara)
5. Se prohíben los efectos ópticos y
los filtros.
6. La película no puede tener una
acción o desarrollo superficial (no pueden haber armas ni pueden ocurrir
crímenes en la historia)
7. Se prohíbe la alineación temporal
o espacial. (Esto es para declarar que la película tiene lugar aquí y ahora)
8. No se aceptan películas de
género.
9. El formato de la película debe
ser de 35 mm.
10. El director no debe aparecer en
los títulos de crédito.
Además el director se compromete a
no ejercer ningún tipo de gusto personal.
“THE CONNETION” 1961
Estamos ante el primer
largometraje de Shirley Clarke.
Se trata de un falso documental:
la trama está narrada desde la mirada de los dos ficticios documentalistas como
avisa el rótulo inicial: “Jim Dunn, director de documentales ha titulado este
filme The Connection y me ha dado las imágenes antes de partir. Yo era
su cámara y todo lo filmamos en un apartamento de yonquis una tarde de otoño.
Soy enteramente el responsable del montaje de este material. Lo hice lo más
honestamente posible. J. J. Burden”.
La escena se
desarrolla en un cuarto de un apartamento neoyorquino, en la cual un grupo de
jóvenes adultos esperan la llegada de un traficante a que les proporcione su
dosis de heroína. Estos comparten apartamento con un grupo de jazz de los
cuales Clarke aprovecha para que sea su música, en directo, la banda sonora de
la película.
Hibrido entre cine verdad y novela corta.
Aunque ganase la crítica del festival de Cannes, fue prohibida por su gran
sinceridad ante la relación de la sociedad y las drogas.
Características:
Clarke describe a una generación que busca
drogas y el alcohol para aliviar los sentimientos de desilusión. While certainly more objective than most social
commentary, The Connection does have a social heartbeat.
Una laberíntica, caótica pantalla de
libertinaje, intenta mostrar la auténtica realidad de la drogadicción
Espontánea en una forma semi-coherente,
manteniendo su autenticidad y moldeado una narrativa
La cámara persigue a un único actor.
La gente de dirección participa; el director
insiste en que tienen que comportarse naturalmente_tiene que documentarlo.
Compuesta de largos planos-secuencia muy en la línea de los
postulados del cine verdad.
Son técnicamente innovadores y recuerda al
espectador el potencial ilimitado de cine.
La cámara será su confesionario: expresan su
sufrimiento, relatan sus historias particulares o simplemente reflexionan sobre
su trágica condición:
El tratamiento de un tema tan delicado, en
aquellos tiempos, como el mundo de la droga
Voz en off y que aparecerá fugazmente
a escena en señaladas ocasiones
Dunn captará, cámara en mano, los primeros planos de los rostros, se
mezclará con ellos, seguirá sus movimientos, a la vez que irá recogiendo los
pequeños detalles dispersos por el entorno (se sirve de las miradas de los dos
personajes para cimentar la suya propia).
Efecto de teatralidad:
Delata la potencia teatral por la lentitud
al hablar.
Efecto de realidad
Plano secuencia; la acción transcurre detrás
de la cámara. Tiempo más lento
Cámara testigo, complicidad con el
expectador
Rodada en un único escenario
La banda sonora está dentro, forma parte del
interior de la película. El jazz, entonces improvisado, como la
acción-actuación de los actores. B.Brecht afirma que para el el jazz es el
único teatro por si mismo.
Shirley
Clarke:
En sus inicios bailarín, comenzó a realizar trabajos cinematográficos son cortometrajes
de corte documental dedicados al baile: Dance
in the sun (1953) con el bailarín Daniel Negrin o A moment in love
(1957). A posteriori se hace Miembro fundador del New American Film Group, y
comienza a relacionarse con cineastas de la época. A su vez en el mundo crecían
nuevas corrientes: el expresionismo abstracto de Pollock y los inicios del Pop
Art en pintura, la generación Beat de Kerouac y Ginsberg en literatura,
las vanguardistas propuestas musicales de John Cage, la Modern Dance de la
citada Martha Graham; o la creación del Living Theatre, deudores del Happening
y seguidores del ideario de Antonin Artaud, en el terreno teatral.
Tiene
relación con B.Brecht:
En la relación con la cámara, esta es
evidente.
La acción no es interrumpida por la cámara o
el director.
La acción no está esquematizada como querría
Brecht.
La música, dentro del espacio de
representación.
Tiene
relación con Artaud:
Tiene relación por la expresión del cuerpo.
No se trata de una situación dramática, es una situación de expresionalidad de
lo que les ocurre a los actores: los músicos tocan, la piña se corta y se
ofrece, vomitan de verdad, etc.
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